Cartografia Escolar

A cartografia da sala de aula

Rock & Geografia – parte 2

EM CONSTRUÇÃO

Country na historia do Rock – página 2

 

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Música country, como todas as grandes formas de arte americanas, tem suas raízes no comércio; isto é, demorou gravação empresas comerciais e estações de rádio para nutrir o estilo país. Havia colonos brancos e negros nos Apalaches, desde tempos imemoriais, e trouxeram com eles as tradições distintas: a tradição europeia de baladas anglo-americana, canções da história, e música de dança baseado em harmonias de quatro quadrados e formas fixas; e as tradições afro-americanos-de blues, canções de trabalho, e gritos de campo

County música nasceu no sul dos Estados Unidos. Na primeira, ele foi chamado de “música caipira.” Ela se desenvolveu e foi influenciado por reservatórios de canções populares e baladas que foram trazidos para os Estados Unidos por imigrantes anglo-celta. Embora o sul e norte receberam as mesmas influências externas, estas duas regiões criado totalmente diferentes tipos de música. A música do sul surgiu porque a região estava comprometido com uma economia agrícola e um modo de vida rural.  

rockabilly (substantivo): um estilo que mistura balanço ocidental e R & B – Sam gravou muitas canções rockabilly no Sun Studio em Memphis.

(País) música ocidental (substantivo): um estilo de música country que se desenvolveu nos Estados Ocidentais dos EUA – Meu pai gosta de música ocidental mais do que música country dos velhos tempos.

Western swing (substantivo): um estilo que mistura música ocidental e grande banda de swing jazz – Esses registros balanço ocidentais são grandes para dançar.

Sim, o rock?n?roll é música negra. Como o blues, o samba e o hip hop, o rock nasceu da escravidão e tem suas origens na migração forçada de milhões de africanos, que foram tirados de suas aldeias e jogados em terras estranhas. Todos esses gêneros musicais têm duas características comuns, herdadas da África: a primeira é a predominância de uma base rítmica constante e repetitiva; a segunda é a utilização da música de uma forma emocional e espiritual. Os escravos cantavam para celebrar sua espiritualidade, seus ancestrais, as mazelas da escravidão, estabelecendo assim uma relação direta entre sua música e a realidade social. O rock herdou essa capacidade de radiografar o presente.

Na época, a sociedade americana começava a abandonar preconceitos seculares. De uma certa forma, a explosão do rock simbolizou uma América nova, mais liberal, próspera e livre das dificuldades econômicas do pós-guerra. Adolescentes brancos começaram a curtir uma música antes relegada a salões de baile nos bairros negros e pobres.

O rock?n?roll não mudou a sociedade, mas serviu como espelho de mudanças e tendências. Claro que ninguém deixou de ser racista ao ouvir Elvis Presley cantando música “de negros”, mas o simples fato de Elvis aparecer em cadeia nacional, rebolando os quadris e celebrando uma cultura marginal, mostrava que o país estava mudando.

Adolescentes: disseminadores do Rock

Paralelamente ao surgimento do rock, a sociedade norte-americana via o aparecimento de outro fenômeno, que se tornaria vital para a explosão do rock?n?roll: o adolescente.

Até meados do século 20, adolescentes tiveram uma vida dura nos Estados Unidos. O país havia passado por duas guerras mundiais e pela Grande Depressão; ser jovem por lá significava trabalhar duro e ajudar os pais a sustentar a casa.

 

 

A música country era uma federação de estilos, em vez de um estilo monolítico. Suas origens se perderam nas primeiras décadas da colonização, quando as danças folclóricas (bobinas escoceses, gabaritos irlandeses, e danças quadrados, versão do pobre homem do “baile” francês e “quadrilha”) ea balada britânico foi transplantado para o novo mundo e foi contaminado pelos hinos religiosos da igreja e acampamento reuniões. Os estilos musicais foram remanescente de seus antepassados ​​britânicos. As letras, por outro lado, eram completamente diferentes. Os norte-americanos não gostou do tema do amor, para que eles preferiram problemas práticos, como experiências do mundo real (pecuária, exploração madeireira, mineração, estradas de ferro) e as tragédias do mundo real (assaltos a bancos, desastres naturais, homicídios, acidentes de trem).

A instrumentação incluiu o banjo, introduzida pelos escravos africanos através dos shows de menestréis, o “fiddle” (violino do homem pobre, simplificado para que o violinista também poderia cantar) Scottish ea guitarra espanhola (um instrumento que se tornou popular no sul única por volta de 1910). Ironicamente, à medida que mais e mais negros abandonaram o banjo e adotou a guitarra, banjo acabou sendo identificado com a música em branco, enquanto o violão acabou sendo identificado como música negra. Por exemplo, Hobart Smith aprendeu a jogar a partir de bluesman Blind Lemon Jefferson preto, mas passou a tocar banjo enquanto Jefferson tocava violão.

O papel destes instrumentos foi mais rítmica do que melódica, porque a maioria das performances eram solo, sem percussão. Algumas regiões acrescentaram suas próprias especialidades (como o acordeão na Louisiana), mas principalmente música branco foi baseada em instrumentos de cordas. Quando não for realizada a solo, foi realizado por bandas de cordas, particularmente após a década de 1920, quando as primeiras gravações permitidos músicos para realmente fazer uma vida fora de sua “música dos velhos tempos”. As bandas de cordas da década de 1920 incluiu Carolina do Norte Ramblers de Charlie Poole, que aumentados o repertório de música dos velhos tempos com canções de menestréis e vaudeville shows, Dixie alpinistas de Ernest Stoneman e, finalmente, (mas os verdadeiros criadores de tendências para as bandas de cordas) o hillbilly supergrupo Skillet Lickers, formada em 1926 e que caracterizam Riley Puckett na guitarra, Gideon Tanner e Clayton McMichen em violinos (e todos eles nos vocais), os primeiros a gravar Red River Valley (1927).

O formato de “caipira” (liderado pela guitarra e um pouco mais “cosmopolita”) era mais popular nas planícies, enquanto a “montanha” formato dos Apalaches (dominados por violino e banjo) manteve-se relativamente protegido do urbano e Africano-Americano influências.

Artistas solo, ou “caminhantes”, tornou-se popular após a I Guerra Mundial, mas muitas vezes teve que se mudar para Nova York para fazer gravações. Alguns deles especializado em canções “evento”, canções que pode ser constatado acontecimentos contemporâneos, como a de Henry Whitter The Wreck Of The Old 97 (1923), que pode ter sido o primeiro “canto da estrada de ferro” (mas efectivamente utilizadas a melodia da tradicional A Navio Que nunca mais voltou ), mais tarde gravado pela cantora em Nova York Vernon Dalhart (1924) para o público nacional (talvez o primeiro hit de música country), Andrew Jenkins ‘ Morte de Floyd Collins , também gravou pela primeira vez por Dalhart (1926), sobre um acidente de mineração, e de Bob Miller Eleven Cent algodão e Quarenta Cent Carne (1928), a seco votin ‘ (1929), e especialmente Twentyone Anos (1930), talvez o primeiro “canção prisão”. Miller foi, de longe, o mais prolífico, escrevendo milhares de músicas caipiras.

Músicos Hillbilly também lidou com o gênero oposto, a canção novidade: novidade ukulele de Wendell Salão It Is not Gonna Rain No Mo (1923), assobiando novidade de Carson Robison Nola (1926), esboço quadrinhos de Frank Luther Barnacle Bill The Sailor (1928).

Muito poucos desses cantores eram de origens do país: Vernon Dalhart, Carson Robison e Bob Miller eram cantores de Nova York que se tornou famoso cantando músicas caipira (e às vezes de compô-las, como no caso de Robison e Miller).

Os músicos do país real, tinha sido conhecido principalmente por sua bravura instrumental.Um concurso nacional violino tinha sido organizado na Geórgia já em 1917 (pela Organização Old Time Fiddlers). Dois músicos importantes na transição do estilo “montanha” tranqüila e linear eo estilo rápido e sincopado “bluegrass” foram banjoists Charlie Poole dos North Carolina Ramblers ( não deixe que seu negócio Go Down , de 1925; brancas House Blues , 1926 , mais conhecido como Cannonball azuis ), e “tio” Dave Macon, o principal “coletor” da música dos velhos tempos e um dos artistas mais vendidos durante o Heróis Esquecidos (manterei minha Skillet bom e gorduroso , 1924; Chewing Gum , 1924; Sail Away Ladies , 1927). Se estes dois já usou o banjo como muito mais do que um mero dispositivo rítmico, Dock Boggs foi talvez o primeiro banjoist branco a tocar o instrumento como uma guitarra de blues (em 1927 ele gravou números azuis seis plantações e Sugar Baby , que foi rockabilly ante- litteram). Sam McGee foi um dos primeiros a tocar guitarra como um bluesman, começando com estrada de ferro Azuis (1928). Guitarrista cego da Geórgia Riley Puckett, o autor de My Carolina Início (1927), desempenhou um papel fundamental na transformação da guitarra de instrumento de percussão instrumento para acompanhamento.

Un até o final de 1920, os artistas hillbilly foram consideradas comediantes tanto como músicos. Muitos deles tinham um repertório de ambas as canções e esquetes. Os Skillet Lickers foram provavelmente instrumental na criação do carisma do músico país, ao contrário da imagem do palhaço caipira.

O violão de aço Hawaian, inventada por Joseph Kekuku volta de 1885 em Honolulu, foi uma adição tardia para o line-up de bandas de cordas. A música incidental para jogar Richard Walton Tully Bird of Paradise (1912) popularizou o cavaquinho eo violão de aço nos EUA, assim como o pavilhão havaiana na “Exposição Panamá-Pacífico” de San Francisco em 1915.Na Praia No Waikiki (1915 ), composto por Henry Kailimai e Sonny Cunha, começou uma mania em todo o país. Em 1916 todas as gravadoras começaram a vender discos de música havaiana, incluindo Sonny Cunha Todos Hula (1916), Richard Whiting do longo do caminho para Waikiki (1917), da borboleta havaiana (1917), composta por Billy Baskette e Joseph Santly, e Walter Blaufuss ‘ Meu Isle of Golden Dreams (1919). Hawaiian virtuoso aço-guitarra Frank Ferera turnê internacional. Ele estreou no registro com Stephen Foster My Old Kentucky Home (1915). A mania diminuiu na década de 1920, mas o violão de aço (primeiro gravado por um músico hillbilly em 1927) se tornaria cada vez mais popular no repertório de música country.

As primeiras estrelas do gênero caipira foram os membros da Virginia baseado Carter Família, basicamente um trio vocal (Sara nos vocais e autohapr, Alvin nos vocais graves, e Maybelle nos vocais e na guitarra alto) que começaram em 1926 e registrado pela primeira vez em 1927. Ao contrário de seus pares, que enfatizaram o som instrumental, a família Carter focado em canções. Coletivamente, eles escreveu mais de 300 canções, incluindo clássicos como Will You sentir minha falta quando eu me for (1928), Mantenha no lado ensolarado (1928), um cover da canção 1906 de Theodore Morse, Foggy Mountain Top (1929), My Clinch Mountain Home (1929), Preocupado Man Blues (1930), O Círculo pode ser Unbroken (1935), No Depression (1936), e especialmente Wildwood Flower (1928), um primeiro tradicional publicado em 1860 que Maybelle se transformou em uma obra-prima de guitarra . Seu estilo vocal era a quintessência do estilo “close-harmonia” da música country. Mais tarde, Maybelle (que arrancou a melodia nas cordas graves) formou seu próprio quarteto com suas três filhas (entre os quais junho escreveu Ring Of Fire e Helen escreveu Poor Old Com o coração Me ).

Em 1924, com sua primeira gravação, Rock Todos os nossos bebês dormir , o guitarrista cego da Geórgia Riley Puckett (já uma estrela do rádio) introduziu o estilo “yodeling” de cantar (originalmente da Alpes suíços e austríacos) na música country, o estilo adotado em 1927 por a primeira estrela da música country, do Mississippi Jimmie Rodgers , que se casou com ele para o slide guitar Hawaian e, de facto, inventou o equivalente branco do blues com T para o Texas (1927), Waiting For A Train (1928), In The Jailhouse Now (1928), Mule Skinner Blues(1930). Ironicamente (mas também reveladora), Jimmie Rodgers se tornou a primeira estrela deste fenômeno muito branco por ser o mais influenciado pela música muito preto do blues. O ano em que morreu (1933) foi um divisor de águas para a música country.

Rodgers foi influente na criação do mito do Far West, que já havia sido alimentado pelas canções do vaqueiro de Carl Sprague e Goebel Reeves. Assim, “country” música tornou-se “country & western” música. Originalmente, a música country era principalmente dos estados do Sudeste (Virgínia, Tennesse, Kentucky e estados vizinhos). Mas agora o público estava ficando fascinado com os estados (Texas Southwestern e estados neihboring). O fascínio romântico do morador montanha estava lentamente sendo substituído pelo fascínio romântico do cowboy roaming.

Outro músico país que, como Rodgers, relembra o blues, foi de Louisiana cantor e compositor Jimmie Davis cujo songbook não foi menos impressionante: Papa Pistol Packin ‘ (1929),Blues Organ Grinder (1929), Bichano Azuis (1929), Ninguém é querido Mas Mina (1935),não faz diferença agora (1938), You Are My Sunshine (1939).

Enquanto isso, dois novos estilos foram surgindo: honky tonk e-western-swing. E dois instrumentos estreou nos anos que se tornariam a base da bandas de rock: Adolph Rickenbacker inventado (1931) a guitarra elétrica e Laurens Hammond inventado (1933) o órgão Hammond. O violão de aço foi eletrificada pouco depois, e entusiasticamente abraçada por músicos do país (outro sinal de que a tendência era longe dos puristas de montanha).

Era do Texas singer-songwriter Gene Autry prata Hairde papai Of Mine (1931) um grande sucesso que lançou o estilo “honky tonk-” da música country. Estreando no filme Tumbling Tumbleweeds (1935), Autry (que na vida real não era um cowboy em todos) foi também o primeiro dos “cowboys cantando” de Hollywood (antes de Roy Rogers, Tex Ritter, Johnny Bond, Jimmy Wakely) que contribuiu para mover a música country (originalmente um fenômeno oriental) para o “far west”, pelo menos na imaginação popular. Ele também gravouMother Jones (1931), uma canção de trabalho, além de uma longa lista de músicas ocidentais com sabor, como Mexicali Rose (1936). Roy Rogers e compositores Bob Nolan e Tim Spencer formado supergrupo do gênero, os Filhos de pioneiros, que compuseram alguns dos clássicos do gênero, começando com Bob Nolan Tumblin ‘Tumbleweeds (1927).

Clyde “Red” Foley foi a estrela de Chicago, popularizando a música country na cidade grande com Old Shep (1935) e Chattanooga Shoeshine Boy (1950).

Até agora “hillbilly” já não era um atributo positivo, mas sim uma depreciativa e, assim, “country & western” veio a conotar toda a música do sul branco. Os artistas usavam trajes país e imitou a gíria de cowboys. O fascínio com o Ocidente se espalhar para as grandes cidades do Norte graças a canções hillbilly falsos escritos por profissionais compositores de Tin Pan Alley, como Bill Hill, The Last Roundup (1933), na verdade, uma melodia cativante no estilo Broadway, mas mesmo assim influente na criando a moda do Far West. Isto permitiu Tex Ritter, que nunca tinha sido cowboy, mas simplesmente uma atração rodeio, para se tornar uma estrela em Nova York, graças ao seu sotaque texano, e depois (1936), em Hollywood (Rock’n’Rye Rag , 1948).

Ambos honky tonk e-western-swing eram, de facto, os subprodutos da mudança da música country para os estados ocidentais (ou seja, Texas).

Em 1932 o vocalista Milton Brown e violinista Bob Wills cortar os primeiros registros de um tipo de música country influenciado pelo jazz, que mais tarde foi apelidado de “swing ocidental” (por Foreman Phillips em 1944). Basicamente, o país & ocidental música de cidades rurais fundiu-se com o balanço das big bands de jazz urbano. Os dois pioneiros dividir então. Combinação de Brown, os Brownies musicais, caracterizando violinista Cecil Brower (que introduziu o estilo de Joe Venuti a música country), o pianista de jazz Fred Calhoun, Bob Dunn em uma das primeiras guitarras de aço amplificados e uma seção rítmica influenciado pelo ragtime, governou no Texas, enquanto Wills ‘Texas Playboys, com sede em Oklahoma e com uma secção de cordas país e uma secção de jazz chifre, e agora liderado por Tommy Duncan, estreou no registro em 1935 (com Osage Stomp , que lembra Memphis Jug Band Will Sombra) e passou a produzir Aço guitarra Rag (1936), New San Antonio Rose (1940), seu maior hit, gravado com uma banda de 18 peças, talvez os primeiros sucessos de âmbito nacional de música country. Tempo muda tudo (1940), Smoke on the Water ( 1944), Nova Espanhola Two Step (1946).

De 1936 violinista de Chicago e acordeonista Frank “Pee Wee” King, que escreveu Retreat de Bonaparte , Tennessee Waltz e retarde o puxão (1950), levou a mais popular das bandas de swing ocidental, os Golden West Cowboys.

Após a guerra, Spade Cooley (em Los Angeles), introduziu uma variante do balanço ocidental que não enfatizada o bronze e canas, quando regressava ao som mais tradicional de orquestras pop.

Western Swing marcou a transição das cordas-bandas arcaicas para as orquestras do dancehall. Estas bandas foram responsáveis ​​pela introdução na música country de instrumentos como tambores, cornetas e guitarra elétrica.

Texas cantor Al Dexter teve sucessos, tanto no estilo de cabaré, como Honky Tonk Azuis(1934), eo estilo western-swing, como Pistol Packin ‘Mama (1942), com um arranjo revolucionário do acordeão, trompete e aço guitarra. Pianista de San Diego Merrill Moore fez o mesmo após a Segunda Guerra Mundial, alcançando uma síntese em canções como House Of Blue Lights (1953) que anunciaram rock’n’roll.

O outro grande gênero à tona durante os anos 1930 era a música bluegrass, mas esta se originou nas áreas do sudeste tradicionais (“country bluegrass” ser o apelido de Kentucky).Vários casais vocalista-instrumentista tinha aparecido (particularmente irmãos) que desempenharam um música mais animada dedicada a temas domésticos.

Guitarra-base Delmore Brothers Alabama (Alton era o principal compositor e vocalista) foram determinantes para popularizar o “estilo irmãos” graças ao seu mandato com o “Grand Ole Opry” entre 1932 e 1938. Eles também foram importantes para colmatar o mundo da música branca e do mundo da música negra. Suas canções foram bluesy, e que muitas vezes interpretadas canções gospel. Seus maiores sucessos foram em números azuis fato, a partirBalsa azuis de Brown (1933) para Blues e ficar longe de mim (1949). Em 1944, eles adicionaram a gaita bluesy de Wayne Raney, e em 1946 eles adicionaram guitarra elétrica e bateria. Ou seja, quando eles gravaram sua série de boogies sem fôlego, um passo de rock’n’roll: Hillbilly Boogie (1945), Freight Train Boogie (1946), mobile Boogie (1948), Pan-Americana Boogie (1950). Outros números famosos eram vou renunciar minha guitarra velha, Midnight Special , Olhos Castanhos bonitas (1951).

Outra “ato irmão” foi a dos Blue Sky Rapazes, formada por Bill e Earl Bolick (respectivamente, bandolim e guitarra), talvez o mais fiel à tradição “montanha” em suas versões do Sunny Side Of Life (1935), de Down Nas margens do Ohio (1936), história da menina Knoxville (1937), Você De Dixie (1939), Turn Your Radio On (1940).

O estilo bluegrass, que se originou na década de 1920, tanto Kentucky e Bristol, no limite entre Virginia e Tennessee, foi um subproduto do “estilo irmão”, exceto que ele era rápido, virtuoso e às vezes instrumental-only “música montanha” (o país equivalente do dixieland no jazz). É derivado das bandas de cordas da década de 1920, com um banjo, violino, bandolim e levando a melodia, apoiada por guitarra e baixo de corda. A adição notável ao arsenal das bandas de cordas foi o bandolim italiano, que se tornou popular no Sul com a música bluegrass. Os vocais não eram tão importantes como no “estilo de irmãos”, embora muitas vezes apresentava uma voz aguda tenor. Bluegrass música invocado uma mistura de técnicas: montanha de música de três dedos banjo colheita, país & violino do western, a guitarra rítmica dos caminhantes, o coro-driven tenor de hinos religiosos com contraponto graves a registar.

Bandolinista baseado em Kentucky Bill Monroe , que tinha começado um duo em 1934 com seu irmão guitarrista Charlie, popularizou o estilo “bluegrass” com Kentucky Waltz (1945),Blue Moon Of Kentucky (1945) e Footprints in the Snow (1945), realizada por sua nova banda, o Blue Grass Boys, que eventualmente vieram a incluir músicos virtuosos, como Earl Scruggs no banjo, Chubby sábio em violino, Howard Watts no baixo, e Lester Flatt na guitarra, que por sua vez foram substituídos nos anos sessenta por um nova geração de virtuoses (violinista Richard Greene, o guitarrista Peter Rowan, banjoist Bill Keith).Espetacular estilo bandolim de Monroe foi documentado em peças instrumentais, comoRawhide (1951) e Roanoke (1954). No auge, a banda de Monroe estava tão focado em improvisação e técnicas habilidades que soou como um grupo de jazz que executa a música country.

Flatt e Scruggs formaram seu próprio ato, em 1948, que, graças a peças como Foggy Mountain Breakdown (1949), rolo nos braços do meu bebê doce (1950), Pike County Breakdown (1952), Flint Hill Especial (1952), e, eventualmente, o hit The Ballad of Jed Clampett (1962), competiu com tanto Bill Monroe. Flatt e Scruggs também foram determinantes na introdução da guitarra dobro (desde 1955, interpretado por Buck Graves), uma variante da guitarra de aço do Havaí, em música country.

Bluegrass atos da década de 1950 incluiu a Osborne Brothers (Sonny no banjo e Bobbie em Bandolim), talvez o mais inovador da nova geração, como exibido no rubi (1956); e os Irmãos Stanley Carter (sendo o vocalista), muito mais focado nas harmonias vocais do que na contraponto instrumental e solos, a partir do estilo “high solitário” de uma visão de Mãe para canções de amor, tais como Como Montanha Girls Can amo ( 1959) para temas religiosos, como Recolhendo flores para o buquê de Mestrado e de Albert Brumley Terminou Strangers(1960).

Bluegrass permaneceria o ramo da música país mais obcecado com proficiência técnica deslumbrante, seja vocal ou instrumental.


Tennesse nativa Roy Acuff se tornou a primeira estrela de Nashville graças a duas músicas já gravadas pela família Carter: O Grande Speckled Pássaro (1936), com base na melodia dehoje à noite Eu estou pensando de meus Olhos Azuis , e Wabash Cannonball (1936) , um dos mais célebres “canções de estrada de ferro”. A Jóia Preciosa (1940), com base em as colinas de Roane County , Wreck On The Highway (1942), uma das primeiras canções do carro, Frank “Pee Wee” do rei Tennessee Waltz ( 1947), foram cantadas em um antiquado, estilo montanha triste, e acompanhado principalmente com o dobro (James Clell Summey até 1938 e Beecher “Pete” Kirby depois de 1938). Radiodifusão país tinha sido dominada por bandas de cordas: performances solo emocionais de Acuff mudou a própria percepção do que música country deveria ser. Ele foi fundamental na transformação da música country em um negócio, e um grande negócio em todo o país. A empresa de edição musical, fundou em 1942 com o compositor Fred Rose (creditado com muitas canções que ele na verdade apenas revistos e publicados, incluindo Hank Williams ‘ Kaw-Liga e Take These Chains do meu coração ) tornou-se uma mina de ouro.

Johnny bond escreveu Cimarron (1938), eu pergunto onde você está hoje à noite , Hot Rod Lincoln , seu antigo amor Letras e Tomorrow Never Comes .

Em 1939, o “Grand Ole Pry” mudou-se para Nashville de “Ryman Auditorium” e foi transmitido pelas redes nacionais.

No entanto, o país ainda era em grande parte inconsciente de música country. Não foi até 1942 que “Billboard” introduziu uma coluna sobre música country, e só em 1944 introduziu os gráficos para músicas caipiras.

New York: Dissent

Se a música país representava os valores americanos por excelência, e uma atitude positiva para o modo de vida americano, outros (remontando aos épicos dos “vagabundos” itinerantes) estavam vendo através do sonho americano e confrontando as questões da pobreza, o fascismo eo racismo .

Em um estilo folk sombrio à base de guitarra, de Oklahoma Woody Guthrie escreveu as Dust Bowl Ballads (1935, registrados pela primeira vez em 1940), a trilha sonora da Grande Depressão, para se tornar o primeiro grande cantor e compositor dos EUA. Depois de se mudar para Nova York em 1940, ele também se formou para ser a voz da “oposição” político com Pretty Boy Floyd (1939), o hino Esta terra é sua terra (1940, registrado pela primeira vez em 1944), Ludlow Massacre (1944) , 1913 Massacre (1944), do deportado (1948), e asbaladas das Sacco & Vanzetti (1947); mas também compôs canções populares, comoOklahoma Hills (1937), pastagens de Plenty (1941), Reuben James (1941), So Long Tem sido bom saber que você (1942), Philadelphia Lawyer (1946). Suas canções foram baseados principalmente em melodias hillbilly antigos.

A Esquerda ganhou força ao longo dos anos 1930, encontrando abrigo em lofts de Greenwich Village de Nova York dos artistas. O “Village Vanguard”, aberto por Max Gordon em 1939 nessa área (7th Avenue e 11th Street), era um clube de jazz, mas logo começou a servir um público branco de dissidentes políticos.

A viabilidade da música popular como protesto sociopolítica havia sido comprovada porIrmão você pode poupar um centavo (1932), uma canção escrita por Yip Harburg (music by Jay Gorner), um veterano da Broadway musical ea trilha sonora de Hollywood, e cantada por Bing Crosby. Na verdade, toda a trilha sonora de Victor Fleming do Mágico de Oz (1939), também escrito por Harburg (música de Harold Arlen), foi concebido como um comentário à Grande Depressão.

Além Guthrie, outros músicos populares compostas canções de protesto. Por exemplo, Earl Robinson escreveu Joe Hill (1936) para comemorar um líder sindical assassinado.

Outra estirpe importante da música popular tinha a ver com música folclórica, que Guthrie e Robinson já havia associado com consciência social. Em 1940, Pete Seeger foi mais longe: ele formou os Almanac Singers para cantar canções de protesto ( We Shall Overcome ,Guantanamera ), às vezes com conotação comunistas. Em 1948 Seeger formaram os Weavers quarteto vocal vagamente modelado após o Family Country. Sua arranjador Gordon Jenkins adicionou uma orquestra de cordas para sua cover de Leadbelly Good Night Irene (1949), criando assim o primeiro crossover folk-pop. A colaboração com Gordon Jenkins continuou com O Roving Tipo (1950) e Wimoweh (1952). Sua Se eu tivesse um martelo (1949), Aonde todas as flores foram (1956), Bells Of Rhymney (1959) e a volta da volta Volta (1962) estabeleceu a voga da música folk, enquanto Wimoweh (1961), mesmo ressuscitado música popular Africano . Sua suíte de maneira simplória (1955) foi, de facto, o primeiro registro de “primitivismo americano”.

Outro pioneiro do renascimento popular, Burl Ives, popularizado Foggy Foggy Dew (1945), uma canção tradicional Inglês, azul-atado Fly (1948), uma melodia Guerra Civil, de Harry McClintock Big Rock Candy Mountain (1948) e Stan Jones ‘ Fantasma Riders In The Sky(1949), com base na tradicional Quando Johnny vier marchando em casa .

“Ramblin ‘Jack” Elliott Adnopoz tornou-se o embaixador de Guthrie na Europa. Vários músicos negros (nomeadamente, Leadbelly e Josh White) beneficiou do renascimento folk.

Na verdade, o renascimento popular foi fundamental para redescobrir gêneros esquecidos e músicos que não poderia apontar para as tabelas. Por exemplo, a tradição de “one-man bands” foi mantido vivo em San Francisco por um músico negro, Jesse Fuller, um homem velho (ele estreou em 58) que jogou ao mesmo tempo guitarra, baixo pedal, gaita, hi- chapéus e castanholas, imortalizados por seus San Francisco Bay Blues e (1954). Em 1948 Moe Asch fundou Folkways, uma gravadora dedicada à música popular, mas também a música latino-americana, a música do nativo americano e ao blues música.

Nova York tornou-se o palco para um movimento de “renascimento popular” que gerou sucessos como os Tarriers ‘ Banana Boat Canção (1956), que também lançou a mania calypso, tradicional do Kingston Trio Tom Dooley (1958), de Jimmy Driftwood Battle Of New Orleans (1958), e de Jimmy Driftwood Batalha de New Orleans (1958) e Alegria do Soldado(1958), todos eles reconstruído a partir de melodias tradicionais. Etno-musicólogos como os New Lost City Ramblers montado “Lost” canções em álbuns como The New Lost City Ramblers (1958), Vol II (1959) e Songs from the Depressão (1960). Os Limeliters montado um repertório multinacional em coleções calmantes tais como A Slightly Fabulous (1961). O “Newport Folk Festival” (1959) criou uma vasta audiência para essa música, um público que cada vez mais veio a ser identificado com a esquerda política e os jovens beatniks do Greenwich Village.

Estes folksingers tinha pouco em comum (estilisticamente ou ideologicamente) com os caipiras de música country, mas eles acabaram criando o público urbano para a música country. Música country, mesmo em estados que foram urbanização rápida, como Texas, havia sido voltado principalmente para o campo. A geração do pós-guerra de folksingers atendidos quase exclusivamente para o público das grandes cidades. Não demorou muito antes de música country aprendeu essa lição.

Também faz parte do movimento esquerdista de ideias foram os satiristas iconoclastas que atacaram o modo de vida americano, política contemporânea e tabus variados em casas noturnas de Nova York: Richard “Senhor” Buckley, Lenny Bruce e Tom Lehrer (em ordem cronológica). Seu humor cáustico, na verdade, antecipou o baço existencial eo ceticismo político do Movimento Greenwich.

Texas e Tennessee: Country Music

Os anos 1940 foram principalmente os anos de música “honky tonk-“, um estilo de condução muito mais do que música tradicional Appalachian, ea primeira forma urbana da música country. Originalmente chamado após os saloons onde o álcool estava sendo servido ilegalmente (que, por sua vez, teve seu nome das fábricas que fizeram gin), honky tonk se tornou ainda mais popular no final da época da Lei Seca. Suas estrelas eram de Texas: Ernest Tubb ( Walking The Floor Over You , 1942), que também foi o primeiro artista país a empregar uma guitarra elétrica, e William “Lefty” Frizzell, herdeiro natural, Rodgers ‘, um dos vocalistas mais inovadoras e um compositor pungente ( Se você tem o dinheiro que eu obteve o tempo , de 1950; Sempre tarde , de 1951; eu quero estar com você sempre , de 1951; folclórica balada de Danny Dill O Véu Preto Longo , 1959; Saginaw Michigan de 1964 ; esse é o Caminho do Amor Vai , 1973). Floyd Tillman escreveu não faz diferença Agora (1938) e “canção batota” Escorregando em torno (1949). Pianista com sede em Houston Aubrey “Moon” Mullican antecedeu Jerry Lee Lewis na fusão de cabaré e boogie-woogie, dois estilos que tinham muito em comum, com Harry Choates ‘ New Jole Blon “ (1947) e eu vou navegar meu navio Sozinho (1950). Guitarrista da Carolina do Sul Arthur Smith fez algo semelhante com o instrumental de guitarra Boogie (1945). Ted Daffan compôs a clássicos Mente Preocupado (1940), Born To Lose (1943), Headin ‘Down The Highway (1945). Canções de cabaré tratou de temas mais prosaicos, como o álcool (é claro) e trapaças.

Os puristas olhou para honky tonk-, que preservou pouco do espírito original da música country, mas Hank Williams fechá-los com Lovesick blues (1949) e que vai mudar (1949), seguido por um repertório de ambas as baladas e pseudo -blues. Entre os primeiros: Frio Cold Heart (1950), Por que não Do You Love Me (1950), seu coração Cheating (1952), I Saw The Light (1953). Entre estes últimos: Gemendo The Blues (1950), dos azuis Lonesome Long Gone(1950), Assim Lonesome I Could Cry (1949), eu vou Never Get Out Of This Vivo Mundial(1952). Além disso, canções rítmicas que antecederam rock’n’roll, como Move It On Over(1947), Honkytonking (1948), Howlin ‘At The Moon (1951). Ele morreu jovem (aos 29 anos), e suas últimas canções, como Jambalaya (1952) e de Fred Rose Kaw-Liga (1952), já existiam antes da idade de música exótica.

A estrela de cabaré que sucedeu Williams, Webb Pierce, de Louisiana, adotou o violão e guitarra elétrica de aço e se mudou em direção pop e rock’n’roll no Merle Kilgore Mais E Mais(1954) e Adolescente Boogie (1956). Ray Price, do Texas, limitado tanto de cabaré e swing ocidental em canções como Do not Let The Stars Get Into Your Eyes (1952), Braços Louco(1956), Luzes da Cidade (1958). Banda de Hank Thompson, também do Texas, fez o contrário (de balanço ocidental honky-tonk a), começando com Wild Side of Life (1952), basicamente um cover de Roy Acuff de A Grande Speckled Pássaro (1936). Outra Texas, Johnny Horton, adaptou o estilo para os dancehalls e rock’n’roll com canções como Honky Tonk Man (1956).

Jimmie Rodgers estilo ‘em vez foi revivido pelo canadense Hank Snow, particularmente em seu próprio eu estou Moving On (1950), um dos maiores sucessos da era pós-guerra, The Rocket de Ouro (1950) e The Rhumba Boogie ( 1951).

Entre virtuosos instrumental, estilo finger-picking Merle Travis ‘(que era basicamente um adapation de uma técnica banjo à guitarra) virou a guitarra em ambos um instrumento melódico e rítmico. Para seus contemporâneos, ele soava como dois guitarristas, um não. Ele também gravou Folk Songs of the Hills (1947), incluindo a sua própria canção de protesto célebre Sixteen Tons , em uma veia semelhante à de Woody Guthrie. Smoke Fumo (1947) foi seu maior sucesso.

Seu discípulo Chet Atkins simplificado estilo Travis ‘usando três dedos em vez de apenas dois. Mais importante ainda, Atkins foi pioneiro no clássico “som Nashville” por meio de composições tais como Bluesy Guitarra (1946), um dueto entre guitarra e clarinete, Canned Heat (1947), galope na guitarra (1949), Chinatown Meu Chinatown (1952), Country Gentleman (1953), Downhill Arraste (1953), que minimizou progressivamente o papel rústico do violino eo violão de aço, enquanto enfatizando um som mais doce, mais pop baseado em violão e piano.

Jean Ritchie foi pioneira no renascimento do dulcimer com registros, tais como canções de canto tradicional de Sua Montanha Família (1952).

Les Paul , um guitarrista branco que jogou mais frequentemente com músicos de jazz do que os de países, inventou a guitarra de corpo sólido (1941), pioneiro em novas técnicas de gravação (“microfone próximo”, “atraso de eco”, “multi-tracking”) e engajados em experiências arquetípicas de manipulação de fita e overdubbing em suas canções 1948 Brasile amante (no qual ele tocou todos os instrumentos sozinho), além de aspersão suas gravações com todos os tipos de efeitos sonoros.

Guitarrista pirotécnico baseada em Los Angeles Joe Maphis foi um dos primeiros a usar o instrumento não só para o acompanhamento rítmico, mas também para as linhas de chumbo.Ele também compôs Dim luzes Grosso Smoke (1952) e Fire On The Strings (1954).

Outros virtuoses incluído violinista Vassar Clements e cego guitarrista-picking plana Arthel “Doc” Watson, que gravou seu primeiro álbum, Doc Watson Família (1963), com a idade de quarenta anos.

“Tennessee” Ernie Ford era o símbolo sexual da música country nos anos 1950, e lançou padrões como Smokey Mountain Boogie (1948), Johnny Lange de e Fred Glickman Mule Train (1949) e Shotgun Boogie (1950), um progenitor de rock ‘ n’roll.

Leon Payne, um membro de Bob Wills ‘Texas Playboys, escreveu Lost Highway (1949) e Eu te amo Porque (1950)

Felice e Boudleaux Bryant estavam entre os compositores de Nashville mais bem-sucedidos, a partir de Hey Joe (1953) para Love Hurts (1961) para Rocky Top (1967), e em particular para os Everly Brothers.

No final da II Guerra Mundial, vários estúdios tinham aberto em Nashville, refletindo a crescente popularidade do “Grand Ole Opry”. Em seguida, os músicos começaram a se mudar para Nashville. Por volta de 1954, quando o “Country Music Disc Jockeys ‘Association” (CMA) foi criado, Nashville teve como muitos compositores como Nova York. Chet Atkins foi um dos produtores que, na década de 1950, trabalhada a “som Nashville”, basicamente música country jogado com uma sensibilidade pop (guitarra e às vezes o piano substituindo o violino, vocais de fundo, orquestra de cordas). Atkins foi o homem que enterrou o som Appalachian “alto solitário”. Em 1961, havia 81 estações de rádio dedicado à música country, em 1966 havia 328. Por volta de 1963 um em cada dois registros americanos foi produzido em um estúdio de Nashville.

A Importância da Country Music

A música country teve um profundo impacto sobre o subconsciente americano: ele forneceu a nação americana com uma identidade. A música pop (como realizado nos cinemas, como publicado pela Tin Pan Alley) foi em grande parte uma invenção europeia, tanto assim que as estrelas europeias em turnê nos EUA foram invariavelmente dada uma recepção real e anunciado como a “coisa real”. Mas a música country era americano, e somente americano: seus artistas eram americanos, sua audiência era americano, suas histórias eram americanos, o seu “som” era americano. Os americanos poderiam desfrutar de música pop na Broadway, mas eles não podiam se identificar com ele da mesma forma que eles poderiam identificar com os caipiras e os cowboys. O som da música country encarna a história dos EUA, que representava seu genoma. Como se desenvolveu a partir dos anos 1920 aos anos 1960, ele simplesmente continuou a enfatizar esse elemento “americano”, eliminando progressivamente os elementos europeus: parecia cada vez menos como as baladas inglesas e as danças irlandesas que lhe deram origem, e mais e mais como algo completamente nova.
Do ponto de vista musical, música country enfatizou antes de tudo a história, então a voz, e durar o acordo. Era uma música secular, dedicado a questões pessoais, domésticos ou coletivos, mas em grande parte definido em um universo secular. Ele era racional na medida em que seus personagens estavam tentando fazer o sentido de sua vida e os seus arredores.
Isso contrastava com rhythm’n’blues, que enfatizavam antes de tudo a voz e, em seguida (cada vez mais) o arranjo, e, finalmente, o história; que teve um elemento místico mais forte (o legaly dos spirituals e da música gospel); que era fundamentalmente irracional, na medida em que aceitou a condição humana como inevitável.

O som Nashville


Veja:


Bibliografia:

Malone, Bill: “Música Country EUA” (1968)


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